Der Unterschied zwischen “Barock” und “Modern”
Ich werde oft gefragt, was der wirkliche Unterschied zwischen der Barock- und der modernen Geige ist. Ist es der Bogen? Die Saiten? Wie ist das Instrument gebaut?
All diese Faktoren können meiner Meinung nach dazu beitragen, einen Klang zu schaffen, der Barockmusik zum Leben erweckt, aber Sie können auch einfach mit einem informierten und leidenschaftlichen Umgang mit der Musik sehr weit kommen, egal auf welchem Instrument Sie spielen. In diesem Blog habe ich versucht, allen Interessierten einen Kontext zu bieten, um ihre ganz persönliche Entdeckungsreise in die Welt der Barockvioline zu beginnen.
Eine Vielle, ein Vorfahre der modernen Violine, erscheint in einem Fresko von 1330. Museum von Navarra, Pamplona.
Die ersten Geigen wurden um 1550 von Brescianer Handwerkern geschaffen. Im 16. Jahrhundert wurden Instrumente speziell für das Auge und das Ohr hergestellt, und da sich die Form der Geige seit ihrer Geburt nicht verändert hat, ist die Geige immer noch eine von die optisch schönsten Instrumente, und im Laufe der Geschichte wurde ihre Form oft mit der eines Frauenkörpers verglichen.
Diese Geige wurde 1564 von Andrea Amati für den französischen König Karl IX. gefertigt. Sie gilt als eines der ältesten erhaltenen Beispiele einer modernen Geige. Ashmolean-Museum, Oxford, England.
Geigen waren ursprünglich nicht für die Oberschicht gedacht. Während Adlige heidnische Instrumente wie Laute oder Viola da Gamba spielten, spielten nur „Profis“, die ihren Lebensunterhalt verdienen mussten, Geige, ursprünglich meist zur Tanzbegleitung bei Hochzeiten, Festtagen oder Partys. Der Status der Geige stieg jedoch bald, da ihre Schönheit und ihr großes Ausdruckspotential erkannt wurden. Ende des 17. war die Geige nicht mehr nur ein Instrument zur Begleitung eines Tanzes oder Liedes, sondern Komponisten schrieben Stücke speziell für die Geige.
Als ideale Klangqualität galt im Barock die der trainierten menschlichen Stimme. Alle Instrumentalisten strebten danach, sich mit den besten Kastraten oder Sopranisten zu messen, die damals die absoluten Stars der Musikszene waren, insbesondere seit der Erfindung der Oper um 1600 und ihrer erstaunlich schnellen Popularität in ganz Europa.
Die Geige gewann zu dieser Zeit an Popularität, als die Oper wirklich zu blühen begann und zum Instrument des Barock schlechthin wurde. Es hatte große Anziehungskraft auf die neue Generation, da es den Umfang der menschlichen Stimme nachahmen konnte; von den tiefen Tönen des Basses bis zu den hohen Tönen des Soprans. Es könnte wie ein Engel singen und wie der Teufel spielen!
Veracini Francesco Maria Veracini ( 1690 -1768 ) Einer der größten Virtuosen des Spätbarocks. Titelbild seiner Sonate accademiche à violino solo e Basso (1744)
Rhetorik oder die Kunst des öffentlichen Redens war der andere Aspekt der menschlichen Stimme, der als wichtiger Teil der Bildung eines Adligen angesehen wurde. Auch dies wurde auf den musikalischen Bereich übertragen, und Sänger und Instrumentalisten nutzten gleichermaßen die aus der Rhetorik abgeleiteten Prinzipien, um ihre musikalische Darbietung zu verbessern und besser mit ihrem Publikum zu kommunizieren. Sie werden beispielsweise feststellen, dass die Phrasierung in der Barockmusik oft kürzer ist. Diese kurzen „Sätze“ in der Musik „antworten“ sich normalerweise gegenseitig und bilden eine „Geschichte“ oder ein „Argument“. Darüber hinaus verfügt der Barockbogen, der kürzer, leichter und beweglicher ist als die heutige (erfundene im 19. Jahrhunderts) von den ‘Konsonanten’ am Anfang einiger Noten, die wie ein ’t’ oder ‘ch’ klingen, bis hin zum Streichvibrato auf einer einzigen Note in einem langsamen Satz. Der Bogen (bei richtiger Anwendung!) könnte als Mund und Zunge der Barockgeige gelten.
Ende 17. Jahrhunderts hatte die Geige inzwischen alle Gesellschaftsschichten infiltriert, vom niedrigsten Wirtshausgeiger bis zu den großen Geigervirtuosen, um die Könige und Kaiser an den Höfen Europas wetteiferten. Musiker galten jedoch noch immer als Handwerker und als Eigentum ihrer adeligen Arbeitgeber, egal wie hoch sie bezahlt wurden. Erst im frühen 19. wurde sie als ‘Künstler’ betrachtet.
Ein typischer Tag für drei Musiker am Medici-Hof. Dieses Porträt von drei namenlosen Musikern wurde um 1687 gemalt.
Die Musik, die wir heute aus der Barockzeit spielen, stammt hauptsächlich von den Hofmusikern, da sie es waren, die ihre Musik tatsächlich niederschreiben oder sogar veröffentlichen lassen konnten. (Die Kneipen-Geiger und dergleichen verließen sich auf die klangliche Tradition, und einige davon sind tatsächlich noch in den Zigeuner-Geigenkapellen Osteuropas zu sehen.) Diese Musik wurde daher entweder in palastartigen Salons (oder schönen, intimen Salons) gespielt oder in Kirchen während der Messe oder anderen religiösen Zeremonien. Die wunderbar satte Akustik von getäfelten Räumen oder steinernen Kirchen in Verbindung mit der prunkvollen Eleganz der Umgebung schuf ein ganzheitliches Erlebnis, das die Stimmung des Publikums bewegen oder zumindest verändern sollte. Und das tat es – viele große Könige und Führer verließen sich stark auf Musik, um sie zu inspirieren, zu trösten, zu beleben oder ihnen beim Denken zu helfen. Friedrich der Große zum Beispiel stand täglich um 5 Uhr morgens auf, um ein paar Stunden Flöte zu üben und nahm sogar seine Musiker mit in den Krieg!
Die Stellung der Musiker in der Gesellschaft änderte sich nach der Französischen Revolution. Mozart war einer der ersten, der sich vom adeligen Mäzenatentum löste und seine Chancen als freischaffender Musiker nach Lust und Laune des wankelmütigen Wiener Publikums nutzte. Zur Zeit der Industriellen Revolution hatte das Bürgertum eine feste Tradition des Heimmusizierens, unterstützt durch die Erfindung des Klaviers und seine weit verbreitete Popularität seit Beginn des 19. Jahrhunderts. Mitte des 19. Jahrhunderts konnten alle respektable junge Damen singen und Klavier spielen, und das große und wachsende musikbegeisterte Publikum führte dazu, dass riesige Konzertsäle gebaut wurden, um sie aufzunehmen.
Mit den riesigen Konzertsälen und dem immer populärer werdenden Publikum mussten sich Musik und Instrumente ändern. Große Virtuosen wie Paganini an der Geige und Liszt am Klavier waren jetzt gefeierte Helden und Künstler, nicht nur gute Handwerker, und sie brauchten Instrumente und Musik, die selbst Tom den Schreiber in der letzten Reihe des 5000 Sitzes neu gebauten Royal Albert Hall blenden würden. Also änderte sich die Geige – die oberste Priorität war jetzt, kraftvoller und brillanter zu sein. Um dies zu erreichen, müssen die Saiten stärker gespannt werden, der Hals wurde also leicht nach hinten abgewinkelt und das Instrument höher gestimmt. Auch der Bogen wurde schwerer gestaltet und die Geigentechnik diesen Veränderungen und den neuen Anforderungen einer heroischeren Musikrichtung angepasst. Aber das Wichtigste, was man sich merken sollte, ist, dass diese Veränderungen wirklich aufgrund einer Veränderung in der Gesellschaft zustande kamen, die zu einem anderen Musikstil führte, der an verschiedenen Orten gespielt wurde.
Die Geigerin Lisa Batiashvili spielt in der Royal Albert Hall
Es ist wichtig, sich daran zu erinnern, wenn man sich die Musik vor der Französischen Revolution, betrachtet, dass diese Musik kam aus einer grundlegend anderen Welt. Ich glaube deshalb, dass sie am besten in der Art und Weise gespielt wird, in der sie sich die Komponisten vorgestellt haben. Dies erstreckt sich nicht nur auf das Instrument selbst, die Technik oder auch die entsprechende Interpretation der Musik, sondern auch auf die physische Umgebung der Aufführung – den Veranstaltungsort. Denken Sie nur an die aufwendige Kleidung, Perücken und Manieren des Barock sowie an Architektur und Malerei. Diese Welt war eine Welt der Kunstfertigkeit und von Menschenhand geschaffenen Schönheit, und eine musikalische Darbietung war in jeder Hinsicht ein Teil dieser Welt, einschließlich der visuellen Elemente. Die schöneAkustik eines wunderschönen Raumes oder einer wunderschönen Kirche und die Wirkung des visuellen Elements tragen großartig zum Gesamterlebnis und zur Wirkung der Musik bei.
Diese Musik wurde komponiert, um den Hörer zu ‚beeinflussen‘ oder ‚zu bewegen‘ – um ‚die Seele zu engagieren‘. Die Kraft der Musik ist immer noch da – es braucht nur die Herangehensweise und das Setting, um freigesetzt zu werden, und ich glaube, der Schlüssel ist eine Zeitreise mit unseren Gedanken durch historische Einblicke, kombiniert mit einer großzügigen Portion musikalischer Fantasie und Leidenschaft!!