Einführung in die Barockvioline

Still Life with Musical Instruments (1623) by Pieter Claesz

Viele Menschen fragen mich, worin eigentlich der wirkliche Unterschied zwischen der Barock- und der modernen Geige besteht. Ist es der Bogen? Die Saiten? Die Bauweise des Instruments?

Meiner Meinung nach tragen all diese Faktoren dazu bei, einen Klang zu erzeugen, der Barockmusik wirklich lebendig werden lässt. Doch man kann auch mit einem informierten und leidenschaftlichen Zugang zur Musik sehr weit kommen – ganz unabhängig davon, auf welchem Instrument man spielt.

In diesem Blog habe ich versucht, einen Einstieg und etwas Kontext für alle zu geben, die ihre eigene persönliche Reise in die Welt der Barockvioline beginnen möchten.

Eine Vielle, eine Vorläuferin der modernen Geige, erscheint auf einem Fresko aus dem Jahr 1330 (Museum von Navarra, Pamplona)

Die ersten Geigen wurden um 1550 von Handwerkern aus Brescia gebaut. Im 16. Jahrhundert wurden Instrumente nicht nur für das Ohr, sondern auch für das Auge geschaffen, und da sich die Form der Geige seit ihrer Entstehung kaum verändert hat, gilt sie bis heute als eines der schönsten Instrumente überhaupt. Im Laufe der Geschichte wurde ihre Form oft mit der Gestalt des weiblichen Körpers verglichen.

Diese Geige wurde 1564 von Andrea Amati für den französischen König Karl IX. gebaut. Sie gilt als eines der ältesten erhaltenen Beispiele einer modernen Geige. Ashmolean Museum, Oxford, England.

Geigen waren ursprünglich nicht für die oberen Gesellschaftsschichten bestimmt. Während Adelige eher „edle“ Instrumente wie Laute oder Viola da gamba spielten, waren es vor allem Berufsmusiker – also diejenigen, die ihren Lebensunterhalt verdienen mussten –, die Geige spielten, meist zur Begleitung von Tänzen bei Hochzeiten, Festtagen oder Feierlichkeiten.

Doch der Status der Geige stieg rasch, als ihre Schönheit und ihr enormes Ausdruckspotenzial erkannt wurden. Gegen Ende des 17. Jahrhunderts war sie fester Bestandteil jeder höfischen und kirchlichen Musikpraxis, und das Repertoire wuchs stetig. Die Geige war nun nicht mehr nur Begleitinstrument – Komponisten begannen, gezielt Werke für sie zu schreiben.

In der Barockzeit galt der ideale Klang als der der ausgebildeten menschlichen Stimme. Instrumentalist*innen strebten danach, mit den besten Kastraten und Sopranistinnen zu konkurrieren, die damals – insbesondere mit dem Aufkommen der Oper um 1600 und ihrer rasanten Verbreitung in ganz Europa – die absoluten Stars der Musikszene waren.

In dieser Zeit gewann die Geige zunehmend an Bedeutung und entwickelte sich zum Instrument par excellence des Barock. Sie faszinierte vor allem die neue Generation, weil sie den Umfang der menschlichen Stimme nachahmen konnte – von den tiefen Tönen des Basses bis zu den höchsten Sopranlagen. Sie konnte singen wie ein Engel – und spielen wie der Teufel!

Francesco Maria Veracini (1690–1768): Einer der größten Virtuosen der späten Barockzeit. Titelblatt seiner Sonate accademiche à violino solo e Basso (1744)

Rhetorik – also die Kunst der öffentlichen Rede – war ein weiterer Aspekt der menschlichen Stimme, der als wichtiger Bestandteil der Ausbildung eines Edelmannes galt. Diese Prinzipien wurden auch auf die Musik übertragen: Sängerinnen wie Instrumentalistinnen nutzten rhetorische Mittel, um ihre musikalische Gestaltung zu verfeinern und besser mit ihrem Publikum zu kommunizieren.

So fällt beispielsweise auf, dass die Phrasierung in der Barockmusik oft kürzer ist. Diese kurzen musikalischen „Sätze“ stehen häufig in einem dialogischen Verhältnis zueinander – sie beantworten sich gegenseitig und bauen so eine Art erzählerischen Verlauf oder Argumentation auf.

Auch der Barockbogen spielt hierbei eine zentrale Rolle: Er ist kürzer, leichter und beweglicher als der moderne Bogen (der im 19. Jahrhundert entwickelt wurde) und ermöglicht eine enorme Vielfalt an Artikulationen. Von „Konsonanten“ am Beginn eines Tons – die wie ein „t“ oder „ch“ klingen – bis hin zu einem Bogenvibrato auf einem einzelnen Ton in langsamen Sätzen. Man könnte sagen, der Bogen ist der Mund und die Zunge der Barockvioline.

Die Geige hatte inzwischen alle gesellschaftlichen Schichten durchdrungen – von einfachen Tanzmusikern in Wirtshäusern bis hin zu den großen Virtuosen, die an den Höfen Europas von Königen und Kaisern umworben wurden. Dennoch galten Musiker lange Zeit als Handwerker und waren Eigentum ihrer aristokratischen Auftraggeber – unabhängig davon, wie gut sie bezahlt wurden. Erst im frühen 19. Jahrhundert gelang es Musiker*innen allmählich, sich vom Patronagesystem zu lösen und als unabhängige freischaffende „Künstler“ ihren Lebensunterhalt zu verdienen.

Ein typischer Tag dreier Musiker am Medici-Hof. Dieses Porträt von drei namenlosen Musikern wurde um 1687 gemalt

Die Musik, die wir heute aus der Barockzeit spielen, stammt größtenteils von Hofmusikern – denn sie waren diejenigen, die ihre Werke tatsächlich aufschreiben oder sogar veröffentlichen konnten. (Die Musik der Wirtshausgeiger und ähnlicher Musiker wurde hingegen mündlich überliefert; Spuren davon finden sich bis heute etwa in den Zigeunergeigen-Traditionen Osteuropas.)

Diese Musik wurde daher entweder in prächtigen Sälen (oder eleganten, intimen Salons) oder in Kirchen im Rahmen von Messen und anderen religiösen Zeremonien aufgeführt.

Die wunderbar reichen Akustiken von holzgetäfelten Räumen oder steinernen Kirchen, kombiniert mit der prachtvollen Atmosphäre der Umgebung, schufen ein ganzheitliches Erlebnis, das darauf abzielte, die Zuhörer emotional zu bewegen oder zumindest ihre Stimmung zu verändern. Und das tat es auch – viele große Herrscher und Persönlichkeiten verließen sich stark auf Musik, um inspiriert, getröstet, belebt oder zum Nachdenken angeregt zu werden. Friedrich II. von Preußen etwa stand täglich um fünf Uhr morgens auf, um mehrere Stunden Flöte zu üben, und nahm seine Musiker sogar mit in den Krieg!

Die gesellschaftliche Stellung der Musiker veränderte sich nach der Französischen Revolution grundlegend. Wolfgang Amadeus Mozart war einer der ersten, der sich vom aristokratischen Patronagesystem löste und als freischaffender Musiker sein Glück beim wechselhaften Wiener Publikum suchte.

Mit der Industriellen Revolution etablierte sich schließlich im Bürgertum eine starke Tradition des häuslichen Musizierens, unterstützt durch die Erfindung des Klaviers und seine rasche Verbreitung seit Beginn des 19. Jahrhunderts. Mitte des 19. Jahrhunderts gehörte es zur Bildung jeder respektablen jungen Frau, singen und Klavier spielen zu können, und das stetig wachsende musikbegeisterte Publikum führte zum Bau großer Konzertsäle, um all diese Zuhörer aufzunehmen.

Lisa Batiashvili spielt in der Royal Albert Hall

Mit dem Aufkommen großer Konzertsäle und eines immer breiteren Publikums mussten sich Musik und Instrumente verändern. Große Virtuosen wie Niccolò Paganini auf der Geige und Franz Liszt am Klavier wurden nun als gefeierte Helden und Künstler wahrgenommen – nicht mehr nur als geschickte Handwerker. Sie brauchten Instrumente und Musik, die selbst den „Herrn Müller“ in der letzten Reihe eines 2000 Plätze fassenden Saals wie der Royal Albert Hall begeistern konnten.

So veränderte sich auch die Geige: Die oberste Priorität war nun größere Klangkraft und Brillanz. Um dies zu erreichen, wurde die Saitenspannung erhöht – der Hals leicht nach hinten geneigt und die Stimmung angehoben. Auch der Bogen wurde schwerer konstruiert, und die Spieltechnik passte sich diesen neuen Anforderungen sowie dem zunehmend virtuosen, „heroischen“ Stil an. Entscheidend ist jedoch, dass diese Veränderungen aus einem gesellschaftlichen Wandel hervorgingen, der wiederum eine neue Art von Musik und neue Aufführungsorte mit sich brachte.

Gerade deshalb ist es wichtig, sich diese Zusammenhänge vor Augen zu führen, wenn wir Musik aus der Zeit vor der Französischen Revolution – also Barock- und frühklassische Musik – betrachten und aufführen. Diese Musik entstammt einer grundlegend anderen Welt und entfaltet ihre Wirkung am besten, wenn wir versuchen, sie in der Art und Umgebung zu präsentieren, wie sie von den Komponisten gedacht war.

Das betrifft nicht nur Instrumente, Spieltechnik oder Interpretation, sondern auch den Aufführungsraum selbst. Man denke nur an die opulente Kleidung, die Perücken, die Umgangsformen der Barockzeit sowie an Architektur und Malerei. Diese Welt war geprägt von Kunstfertigkeit und bewusst gestalteter Schönheit – und die Musik war ein integraler Bestandteil davon, auch in ihrer visuellen Erscheinung.

Die „Aura“ einer schönen Akustik – sei es in einem prachtvollen Saal oder einer Kirche – sowie die visuelle Gestaltung tragen entscheidend zur Gesamtwirkung bei. Diese Musik wurde komponiert, um den Hörer zu bewegen, um die Seele zu erreichen.

Diese Kraft ist bis heute vorhanden – sie muss nur freigesetzt werden. Und ich glaube, der Schlüssel dazu liegt in einer Art gedanklicher Zeitreise: durch historisches Verständnis, verbunden mit einer großzügigen Portion musikalischer Fantasie und Leidenschaft.